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Après La bocca del lupo et Bella e perduta, projeté au CityClub, le cinéaste italien s’inspire librement du roman de Jack London paru en 1909 et transpose l’intrigue à Naples dans l’effervescence sociale du 20e siècle. Un film onirique et philosophique, tourné en 16mm, aux mille idées de cinéma.
«Avec des musiques et des images d’archives surprenantes, Pietro Marcello construit un film d’époque à la fois original et moderne qui gagne en majesté et en intensité au fil des étonnements» (Le Journal du Dimanche).
«Le charme ne se rompt jamais, entraînant le spectateur dans une danse poétique qui ne trahit rien du message politique de Jack London. Luca Marinelli, belle présence virile, est absolument parfait dans le rôle de Martin» (Les Inrockuptibles).
Venise 2019, Prix de la meilleure interprétation pour Luca Marinelli / Séville 2019, Meilleur film / Toronto 2019, Meilleur réalisateur

Il s’essaie ensuite à plusieurs activités: professeur dans des prisons, fondateur d’un festival de films ou programmateur à la radio. Il réalise ses premiers courts-métrages en 2003, Carta et Scampia, puis travaille comme bénévole dans une ONG en Côte d’Ivoire. Depuis, il réalise plusieurs documentaires dont Il passaggio della linea (2007), sélectionné dans la section Orizzonti de la Mostra de Venise. Son premier long-métrage, La bocca del lupo (2010), remporte le Teddy Award du meilleur documentaire au festival de Berlin. Il revient à Venise en 2012 avec Il silenzio di Pelešjan. En 2015, Bella e perduta, projeté au CityClub, est présenté au Festival de Locarno et de nombreux autres festivals internationaux.

Avec Martin Eden, j’ai eu l’ambition de franchir une frontière nouvelle et dépasser mes frontières créatives par la fiction. À la base du roman Martin Eden, il y a un thème central: le conflit de classes à travers la culture, un phénomène rendu possible, dans la seconde moitié du 19e siècle, par la diffusion de l’instruction de masse au sein du prolétariat. Le personnage et le parcours de Martin Eden sont devenus la métaphore de ces artistes qui, issus des classes les plus modestes de la société, ont fini par trahir les principes de leur classe pour épouser le style et la cause de la bourgeoisie. Ou alors ont au contraire décidé d’être fidèles à leurs idéaux, mais en se retrouvant confrontés à des conséquences les conduisant souvent à l’isolement, à la folie ou à la mort. J’ai choisi d’adapter cette histoire dans une ville imaginaire dont Naples est la référence la plus proche par ses couleurs, le rapport à la mer et les dynamiques sociales et politiques. Le ressort dramatique, tout autant que le ressort esthétique, sont le fruit de l’intention de se mettre à l’écoute de la mémoire, de l’histoire et des territoires, de l’Italie et de l’Europe d’hier et d’aujourd’hui.

Souvent comparé à Eric Rohmer avec ce film, le jeune cinéaste espagnol réalise une déambulation estivale et poétique dans la capitale madrilène, au rythme du hasard et des fêtes.
«Il y a longtemps que j’avais envie de filmer la ville en été et plus particulièrement pendant la première quinzaine du mois d’août parce qu’elle coïncide avec les fêtes, très typiques de Madrid, qui se succèdent dans les trois quartiers les plus populaires. Le film est un dialogue entre Eva et la ville. J’aime l’idée que Eva la regarde comme une ville étrangère, comme si c’était la première fois qu’elle la voyait, avec les yeux d’une touriste» (Jonás Trueba).
«De cette facilité à créer de l’opacité à partir d’un terrain sableux, le cinéaste espagnol Jonás Trueba signe un film diablement séduisant» (Bande à Part).
«Ruisselant de charmes, le film musarde dans les rues de Madrid qu’il embrasse dans tous les plans, fuyant l’espagnolade de carte postale sans renier la qualité picturale de la ville» (Libération).
«Une chronique à la Rohmer d’une grâce absolue» (Télérama).
Karlovy Vary 2019, Prix de la critique et Prix spécial du Jury / Cinespaña Toulouse 2019, Prix de la meilleure actrice (Itsaso Arana) et du meilleur scénario, Mons 2020, Prix du Scénario

Suivront Los ilusos (2013) salué par la critique et le public après une tournée festivalière internationale, Los exiliados románticos (2015) Prix spécial du jury au festival de Malaga puis La reconquista (2016) présenté en sélection officielle au Festival de San Sébastián. Jonás est par ailleurs co-scénariste de Más pena que Gloria (2000) et Vete de mí (2005), tous deux réalisés par Víctor García León et de El baile de la Victoria (2009) réalisé par Fernando Trueba, nommé pour le Goya du meilleur scénario adapté. Il est également l’auteur de plusieurs écrits sur le cinéma. Jonás jongle entre cinéma et l'enseignement. Il est membre depuis 2013 de l’équipe de Cine en Curso, un projet pédagogique autour du cinéma dans les écoles. Eva en août (La virgen de augusto), est son cinquième long-métrage.

«Hier, un abattoir ouvrait un monde au cœur d’Alger (Dans ma tête un rond-point, 2015). Aujourd’hui, la tenancière d’une petite échoppe en plein Sahara offre un havre de paix, si ce n’est une oasis, tant le sable efface jusqu’aux couleurs de ce western documentaire. Huis-clos, poste d’observation ou scène de théâtre: fécondité évidente d’un dispositif dont Ferhani, et c’est là son talent, ne paraît jamais se satisfaire, toujours prêt, au contraire, à accueillir l’inattendu» (Locarno).

À force de jouer les curieux, Hassen Ferhani est engagé comme stagiaire script, une expérience fondatrice qu’il prolongera par une inscription au ciné-club Chrysalide où il développe sa culture du septième art. En 2006, il réalise son premier court-métrage Les Baies d’Alger, sélectionné en compétition dans plusieurs festivals. Après ses courts-métrages Afric Hotel (2010) et Tarzan, Don Quichotte et nous (2013), Hassen Ferhani réalise en 2016 son premier long-métrage Dans ma tête un rond-point. 143 Sahara Street est son deuxième long-métrage.

«Essayer de mettre en scène cet état trouble, proche de la transe, entre réalité, songe et fantasme»: le cinéaste Patric Chiha, dont le CityClub avait montré son précédent film, Brothers of the Night, en 2017, propose une adaptation cinématographique de la pièce de Gisèle Vienne où documentaire et fiction se mêle habilement.
«La réussite est évidente! Les ralentis hypnotiques ne perdent rien de leur force en passant de la scène à l’écran. L’ambiance techno du spectacle, dans sa dimension pulsative, voire violente, est restituée grâce à une approche serrée des corps pour une réalisation à fleur de peau» (Positif).
«Rien de théorique ici: la grâce du film est qu’il a toute la simplicité de l’évidence» (Cahiers du cinéma).
«La caméra de Chiha, grand cinéaste du trompe-l’œil, épouse à merveille les corps et les troubles» (La Septième Obsession).
Berlinale 2020, Teddy Award du Meilleur documentaire / IndieLisboa 2020, Compétition internationale

Après des études de stylisme de mode à l’ESAA Duperré (Paris) et de montage à l’INSAS (Bruxelles), il réalise plusieurs courts, moyens-métrages et documentaires sélectionnés dans de nombreux festivals. En 2009, il réalise son premier long-métrage, Domaine, avec Béatrice Dalle, sélectionné à la Mostra de Venise. Suivent Boys Like Us (2014) et les documentaires Brothers of the Night (2016) et Si C'était De L'amour (2019), tous deux sélectionnés à la Berlinale. Il prépare actuellement son prochain film de fiction, La Bête Dans La Jungle.

Elle se produit ensuite dans différents théâtres suisses (Stadttheater Lucerne, Stadttheater Bern, Theater Gessneralle Zurich, Kaserne Basel ou Schlachthaustheater Bern) et travaille avec le Teatro de los Sentidos à en Belgique. Elle a été membre de la troupe de théâtre berlinoise Nico and the Navigators et a joué dans de nombreuses productions théâtrales et télévisées en Allemagne. Isabelle Stoffel a joué dans de nombreux films espagnols, parmi lesquels Un Franco, 14 pesetas et Invisibles de Mariano Barroso ou Los Ilusos et Los exiliados románticos, tous deux de Jonás Trueba. Elle écrit et met en scène en parallèle ses propres spectacles et fonde le collectif de théâtre RECYCLED ILLUSIONS en 2012.

«En 1983, Woody Allen livre ce "documenteur" hilarant. Ça se savoure comme une friandise, si finement sucrée qu'on peut la déguster plusieurs fois» (L’Express).

Très tôt, après avoir décidé avec Gisèle et ma productrice, Charlotte Vincent, que nous allions tourner ce film, j’ai compris que j’allais l’aborder non pas comme un documentaire sur quelque chose, mais comme une adaptation, comme on adapterait (librement) un roman. Les thèmes sont apparus tard, pendant le tournage et surtout au montage: la troupe, le travail, le visage, la fête, la perception subjective du temps... Mais à un moment, j’ai senti qu’un des thèmes les plus importants du film serait le jeu d’acteur, sa fabrication et son mystère.» (Patric Chiha)

Une lutte allégorique entre le bien et le mal, où le cinéaste tord une nouvelle fois le cou à la morale. Lauréat du Prix du Meilleur film fantastique européen en 2006.