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Quinze ans après La Trahison, Philippe Faucon revient sur la guerre d'Algérie et s’intéresse au sort des supplétifs algériens de l’armée française. En concentrant son récit sur trois dernières années du conflit et en filmant avec humilité une histoire d’hommes pris dans la guerre, il signe une œuvre dense et puissante, notamment sélectionnée à la Quinzaine des Réalisateurs à Cannes.
«Avec un subtil art de la touche, Faucon fait voir le passé en face et en facettes. Cinéma précieux, qui, à la flamboyance, préfère la clarté.» (Cahiers du Cinéma)
«Puissance des images, regard politique (mais jamais manichéen), film terrible dans son austérité: un grand moment de cinéma et de douleur.» (L'Obs)
«Avec pédagogie et rigueur, Philippe Faucon rend hommage à ces oubliés de l’Histoire. Un film loin du spectaculaire, qui met en scène la complexité des situations et des destins.» (Le Figaro)
«Sans jamais esquiver la violence, et en trouvant le rythme d’un vrai film de guerre malgré le peu de moyens, Les Harkis prouve à quel point une œuvre est d’abord le regard d’un cinéaste. Poignant.» (Le Parisien)
«Les Harkis n’est pas un film de guerre, pas non plus un film sur la guerre. Avant tout, c’est un film sur la guerre d’Algérie, une histoire singulière qu’il n’universalise pas, ne prend pas de haut ni de loin au nom de toute l’humanité. Au contraire, il y va, il entre, et il précise. Son sujet, dès son titre, il n’en fait pas mystère: à la fois historique et brûlant, venu d’un passé qui ne passe pas, de blessures mal refermées. Comment elles furent ouvertes, et par qui, il raconte. On saura d’ailleurs, à chaque plan, de quoi il parle, ce qu’il montre. Les Harkis, son titre l’annonce, sera un portrait de groupe. C’est un titre de tragédie grecque. On saura qui compose ce groupe. On saura, dans chaque cadre, tout de suite, où regarder, quoi voir, qui entendre. On verra, pour chaque personnage, chaque acteur, le plus fugace, qui est là. C’est à ça qu’on reconnaît encore le cinéma, en Philippe Faucon, toujours, un cinéaste, en Les Harkis un grand film.» (Libération)

«Entamant le film comme une chronique villageoise, sous les auspices d’un cinéma naturaliste, il dérive peu à peu vers une atmosphère plus fantastique, convoquant la légende du loup, sans effets appuyant le surnaturel, plutôt en suggérant la possibilité d’une autre réalité. Jacky Caillou joue de l’authenticité de ses personnages et de ses paysages pour mieux ancrer le surnaturel dans une réalité presque tangible, qui rend l’irréel réel.» (Cineuropa)
«Un paysage où la nature, d’une beauté à couper le souffle, recèle sa part de mystère et de puissance. Lucas Delangle filme des visages sculptés par le temps et des silences têtus qui détiennent des secrets ancestraux; il filme les jours qui s’écoulent au rythme du soleil, et les nuits étoilées nous ramènent à notre simple condition de Terriens. Fiction à la fois naturaliste et fantastique, le récit tresse des passerelles entre rationnel et irrationnel, entre le rêve et une réalité qui semble toujours nous échapper. Interprété par des acteurs professionnels et amateurs, chacun trouve sa place dans ce récit surprenant par son audace, son épure qui dessine, pas à pas, regard avec regard, une humanité trop souvent ignorée.» (L’Humanité)
«Par quel miracle l'inspiration nous apparaît-elle? Quel mode opératoire s'applique à nos rêves, à nos sensations, à nos corps? Sommes-nous certains de bien décider de nos choix? Le réalisateur Lucas Delangle nous propose ici une douce confrontation au réel quasi documentaire avec des personnages et des paysages empreints d'histoires. Il s'attache à démontrer qu'en nous quelque chose déborde, qu'il faut laisser la place au saisissement. Ainsi, lâcher prise et se laisser habiter par le frémissement du monde qui nous entoure, ne pas être effrayé par ce qui nous traverse et que nous ressentons. Ce récit ouvre, d'un geste cinématographique à la fois élégant et sensible, une porte sur nos propres terreurs et nos désirs enfouis. Il nous offre un film de miracle, qui en mêlant le naturalisme au fantastique, interroge sur ce que nous pouvons faire avec de ce que la vie nous offre comme don.» (ACID Cannes)

«Alors que leurs pendants masculins jouent les bourreaux ou les héros, les rôles endossés par les cascadeuses restent souvent des rôles de femmes opprimées, battues et maltraitées. Pourtant, elles doivent aussi suivre un entraînement difficile jour après jour pour pouvoir exécuter ces scènes éprouvantes pour le corps. Dans son premier film, la réalisatrice Elena Avdija nous offre l’aperçu d’un business palpitant mais brutal où les actrices restent souvent dans l’ombre.» (Zurich Film Festival)
«Dépassant le sensationnalisme de son sujet, la réalisatrice choisit de mettre l'accent sur le quotidien de ses protagonistes qui révèlent pudiquement leurs bleus tout en cachant les nombreux autres qui restent invisibles, qui partagent leurs secrets, leur besoin de reconnaissance, leurs espoirs... Un portrait touchant et authentique.» (Cineuropa)

Avec ma collègue de l’époque, Jeanne Lorrain, on regardait des cascades au cinéma et on s’est demandé quelle était la réalité de ce métier, qui avait l’air d’être surtout masculin. On ne connaissait personne qui l’exerçait mais on a rapidement été mises sur la piste de Virginie Arnaud, qui est LA cascadeuse française et qui nous a raconté son histoire. Cependant, le film n’est pas juste un portrait d'un métier. Il y a un enjeu de genre au-delà de la représentativité professionnelle: la représentation des femmes à l’écran. Virginie était consciente de doubler beaucoup des comédiennes victimes de violence. On parle beaucoup de la parole des femmes dans le cinéma, de la manière dont elle est distribuée, avec le test de Bechdel par exemple. Mais comment la violence est distribuée? Cette question, on n'a que peu l’habitude de la considérer. C’est ce qu’explore le film.

Prix de l'Œil d'or de la compétition Focus du dernier festival de Zurich, Cascadeuses, le premier long-métrage de la cinéaste Elena Avdija, tourne la caméra vers ces figures de l’ombre qui jouent à être frappées, tuées ou violées pour les besoins d’un scénario. Un documentaire fascinant, qui interroge les représentations stéréotypées et la manière dont le cinéma et la télévision distribuent les rôles et la violence à l’écran.
«Alors que leurs pendants masculins jouent les bourreaux ou les héros, les rôles endossés par les cascadeuses restent souvent des rôles de femmes opprimées, battues et maltraitées. Pourtant, elles doivent aussi suivre un entraînement difficile jour après jour pour pouvoir exécuter ces scènes éprouvantes pour le corps. Dans son premier film, la réalisatrice Elena Avdija nous offre l’aperçu d’un business palpitant mais brutal où les actrices restent souvent dans l’ombre.» (Zurich Film Festival)
«Dépassant le sensationnalisme de son sujet, la réalisatrice choisit de mettre l'accent sur le quotidien de ses protagonistes qui révèlent pudiquement leurs bleus tout en cachant les nombreux autres qui restent invisibles, qui partagent leurs secrets, leur besoin de reconnaissance, leurs espoirs... Un portrait touchant et authentique.» (Cineuropa)

«Une fois de plus, la maison Podalydès and Co a mis au point un moteur à explosion feutrée, fonctionnant au mélange d'humour et de mélancolie douce, comme il y a une folie douce. Remarquablement dialogué, le film foisonne d'idées.» (Le Parisien)
«Le film, entier, est d'une transparence et d'une générosité totale et renversante envers ses personnages. Larmes de rire et de tristesse montent alternativement aux yeux. Les dialogues oscillent entre des mots jouissivement farfelus, réinventés et d'autres incroyablement en place, doux et douloureux, francs et justes.» (Les Inrockuptibles)
«Un film vraiment drôle et follement triste, pure comédie mélancolique jouée par des acteurs en pleine forme. Les situations comiques s'enchâssent les unes dans les autres jusqu'à basculer dans un étourdissement d'émotions. Un film à tiroirs où se cachent des trésors.» (Elle)

«Sébastien Marnier livre un thriller en forme de jeu de massacre. Baroque, méchant et déroutant. Le mariage réjouissant et réussi entre Chabrol et De Palma.» (CinemaTeaser)
«Si la naissance est l'origine du mal, la famille en est son aboutissement. Le discours n'est pas sans cynisme mais le trajet accidenté pour parvenir à ce constat, écrit et filmé de façon virtuose, est l'un des moments les plus délicieusement cruels que nous ayons vus depuis un moment sur un écran de cinéma.» (Culturopoing)
«L’originalité de L'Origine du mal est de pousser les curseurs toujours plus loin pour échapper au naturalisme et en jouir dans une mise en scène qui se met volontiers en avant.» (Positif)

Petit-fils de harkis, Nabil Djarfi est titulaire d’un Bachelor en sciences politiques et relations internationales. Il est actuellement étudiant à la faculté de droit de l’Université de Genève. En 2021, il participe à la commission «vérité et mémoire» mise en place par la présidence française dans la lignée du travail mémoriel et les propositions définies dans le rapport de l’historien Benjamin Stora remis au président Emmanuel Macron en janvier 2021.

Sarah Dekkiche est présidente de l’association Djelbana. Avec Hasni Abidi, elle codirige la publication du livre collectif 60 ans après les accords d’Evian. Regards croisés pour une mémoire plurielle (éditions Erick Bonnier, 2022), dans lequel un texte, «Harkis: radiographie d’un crime d’Etat» écrit par Dalila Kerchouche aborde la question des harkis.

Entre 1998 et 2008, elle joue et participe à de nombreuses créations au sein de scènes nationales ou conventionnées, avant de se former en tant que vidéaste. À ce titre, elle dirige des stages de direction d’acteurs face caméra et réalise des objets filmés à des fins scénographiques pour la danse ou le théâtre. Elle décide ensuite de se tourner vers le cinéma.
Elle réalise en 2007 Comme à Ostende, un moyen-métrage sélectionné notamment à Locarno dans la section Cinéastes du Présent. Deux ans plus tard, elle coréalise le documentaire Les Arbitres avec les producteurs de l’émission Strip-tease, sélectionné dans plusieurs festivals et distribué par Gaumont. Elle poursuit son travail documentaire avec deux films qu’elle réalise pour Arte et la RTBF: Mode in Belgium, en 2011, consacré au designer Jean-Paul Lespagnard, et Une cheffe et sa bonne étoile, en 2016, dédié à la cheffe étoilée Isabelle Arpin.
En 2013, Delphine Lehericey sort son premier long-métrage, PuppyLove, avec Solène Rigot et Vincent Perez, présenté en première internationale au festival de San Sebastián. Son deuxième long-métrage, Le Milieu de l’horizon, qu’elle réalise en 2019, connaît aussi sa première mondiale à San Sebastian où il remporte le Prix Greenpeace Lurra. Avec Laetitia Casta, Clémence Poesy, Thibaut Evrard et Luc Bruchez, adapté du roman suisse homonyme de Roland Buti, Le Milieu de l’horizon est présenté dans de nombreux festivals et est sacré Meilleur film et Meilleur scénario aux Prix du cinéma suisse en 2020.
Entre ses deux fictions, Delphine a aussi coscénarisé la série de bande dessinée Etoilé sur le monde de la gastronomie aux éditions Dupuis. Elle développe, toujours avec Box Productions, sa première série, Les Indociles, adaptée de la bande dessinée homonyme de Pitch Comment et Camille Rebetez. La première diffusion de la série est prévue pour la fin de l’année 2023.

«Porté par le personnage de Djam, le film l'est aussi par son interprète, Daphné Patakia. Elle parle grec, français, anglais, s'imposant comme allégorie de notre présent mondialisé et figure d'espoir. Un retentissant hymne à la vie!» (Télérama)