décembre   

Descendant d’une famille d'ouvrières horlogères, le cinéaste zurichois Cyril Schäublin plonge dans son passé et explore les liens entre histoire suisse et anarchisme. Il signe ici son second long-métrage, sélectionné dans de nombreux festivals et lauréat à Berlin du Prix de la meilleure réalisation dans la sélection Encounters, section qui récompense les films audacieux et innovants d'un point de vue esthétique et narratif. Une œuvre inclassable, à la beauté et l’intelligence rare.
« Une fable remarquable et étonnante sur le capitalisme. » (Le Monde)
«Avec un calme étrange et troublant, Unrueh plonge le spectateur dans une période de l'histoire où les idéaux de collectivité et d'anarchisme affrontent les pouvoirs envahissants du capitalisme. Après ses débuts avec Dene wos guet geit, Cyril Schäublin continue à développer son style: avec un soin extrême de la composition, il intercale des plans larges et des très gros plans qui lui sont typiques et qui également célèbrent l'artisanat. Sa position politique claire montre aussi, par le biais de la distanciation et de l'ironie, à quel point son sujet est actuel et universel.» (Jury de la section Encounters, Berlinale 2022)
«Comment traduire efficacement le surréalisme qui rend Unrueh si unique? C’est une comédie rêveuse et absurde située dans un village découpé par des décrets absurdes en quatre fuseaux horaires. Mais sous la lisse surface des politesses, Cyril Schaüblin montre que toutes les petites mains du village s’agitent en cadence. À force de gros plans sur des mécanismes horlogers, il bâtit alors le plus curieux des comptes à rebours. Si les personnages d'Unrueh semblent parfois construire une bombe ou une machine à voyager dans le futur, Cyril Schaüblin a donné naissance à un film au charme inclassable.» (Le Polyester)
«Unrueh… il suffirait d’échanger les deux dernières lettres du mot pour passer de la signification en allemand de "balancier" à "désordre", "agitation". C’est dans cette ambivalence sémantique que le réalisateur zurichois construit, tel un horloger, son film à double mécanique. Cyril Schäublin expose avec précision et foultitudes de détails comment fonctionne une montre mécanique. Cette déconstruction de mécanique horlogère adossée à celle de la mécanique du capitalisme industriel produit une œuvre singulière, d’une grande finesse et de toute beauté.» (J:mag)

De nombreuses femmes de ma famille ont été actives dans l’industrie horlogère du 19e et du 20e siècle. J’ai souhaité faire un film sur leur travail et le temps qu’elles ont passé dans les usines, en y faisant aussi une place au mouvement syndicaliste des horlogers du 19e siècle. Les concepts de temps et de travail, développés et établis au début du capitalisme industriel, ne sont-ils éventuellement que des fictions? Comment des constructions comme la "nation" et d’autres inventions du 19e siècle influencent-elles notre vie en société d’aujourd’hui? Comment influencent-elles notre manière d’organiser et de vivre le temps et le travail? Est-ce qu’on peut parler d’une mythologie capitaliste qui agit d’une manière ou d’une autre sur notre quotidien? Et quels autres types de narration seraient éventuellement envisageables? En montrant dans ce film des situations tirées des années 1870, j’invite le public à peut-être reconsidérer d’un regard neuf la condition et l’état de notre société actuelle.

Descendant d’une famille d'ouvrières horlogères, le cinéaste zurichois Cyril Schäublin plonge dans son passé et explore les liens entre histoire suisse et anarchisme. Il signe ici son second long-métrage, sélectionné dans de nombreux festivals et lauréat à Berlin du Prix de la meilleure réalisation dans la sélection Encounters, section qui récompense les films audacieux et innovants d'un point de vue esthétique et narratif. Une œuvre inclassable, à la beauté et l’intelligence rare.
« Une fable remarquable et étonnante sur le capitalisme. » (Le Monde)
«Avec un calme étrange et troublant, Unrueh plonge le spectateur dans une période de l'histoire où les idéaux de collectivité et d'anarchisme affrontent les pouvoirs envahissants du capitalisme. Après ses débuts avec Dene wos guet geit, Cyril Schäublin continue à développer son style: avec un soin extrême de la composition, il intercale des plans larges et des très gros plans qui lui sont typiques et qui également célèbrent l'artisanat. Sa position politique claire montre aussi, par le biais de la distanciation et de l'ironie, à quel point son sujet est actuel et universel.» (Jury de la section Encounters, Berlinale 2022)
«Comment traduire efficacement le surréalisme qui rend Unrueh si unique? C’est une comédie rêveuse et absurde située dans un village découpé par des décrets absurdes en quatre fuseaux horaires. Mais sous la lisse surface des politesses, Cyril Schaüblin montre que toutes les petites mains du village s’agitent en cadence. À force de gros plans sur des mécanismes horlogers, il bâtit alors le plus curieux des comptes à rebours. Si les personnages d'Unrueh semblent parfois construire une bombe ou une machine à voyager dans le futur, Cyril Schaüblin a donné naissance à un film au charme inclassable.» (Le Polyester)
«Unrueh… il suffirait d’échanger les deux dernières lettres du mot pour passer de la signification en allemand de "balancier" à "désordre", "agitation". C’est dans cette ambivalence sémantique que le réalisateur zurichois construit, tel un horloger, son film à double mécanique. Cyril Schäublin expose avec précision et foultitudes de détails comment fonctionne une montre mécanique. Cette déconstruction de mécanique horlogère adossée à celle de la mécanique du capitalisme industriel produit une œuvre singulière, d’une grande finesse et de toute beauté.» (J:mag)

Représentant de la France aux Oscars, lauréat du Lion d’argent et du Prix du meilleur premier film à la dernière Mostra de Venise, Reflet d'or du meilleur film au GIFF, Saint Omer d'Alice Diop s'inspire d'une histoire vraie et suit le procès d'une mère jugée pour infanticide à travers les yeux d'une romancière. À la fois chronique judiciaire et intriguant portrait psychologique, le premier long-métrage de la réalisatrice d’origine sénégalaise est un drame bouleversant qui explore le rapport complexe à la maternité et la place des femmes dans la société.

«En 1972, Patricio Guzmán avait filmé la Bataille du Chili. En octobre 2019, un mouvement de contestation sans précédent secoue le pays. De ce matériau, le réalisateur signe une fresque poétique et politique sur un pays qui retrouve sa mémoire.» (L'Humanité)
«Guzmán, qui a vu en son temps verser le sang de ses camarades et étouffer dans l’œuf l’espoir démocratique exactement pour les mêmes raisons, filme tout cela comme en retenant son souffle. Son film se regarde dans les mêmes dispositions.» (Le Monde)
«Rythmé par la parole de différents acteurs du soulèvement, scrutant chaque étape qui a mené à l’écriture de la nouvelle Constitution, le film touche d’autant plus que l’on sait désormais que sa bataille fut soldée comme la première par son lot de désillusions et par cet aveu silencieux qui semble traverser le film comme un principe de fatalité et de mélancolie: à l’instar de la plage sous les pavés, le pays d’idéal et de songes rêvé par Guzmán restera imaginaire.» (Cahiers du Cinéma)

En 1971, mû par les bouleversements en cours au Chili, Patricio Guzmán décide de retourner dans son pays natal et sort l’année suivante son premier long-métrage documentaire, El primer año, sur les douze premiers mois du gouvernement de Salvador Allende. Il est remarqué par Chris Marker, de passage à Santiago, avec lequel il va développer une relation étroite. Fasciné projet révolutionnaire socialiste et pacifiste d’Allende, Guzmán réalise alors la trilogie documentaire La Bataille du Chili. Chris Marker va l’aider à produire le film, lui fournissant notamment de la pellicule pour tourner cette œuvre majeure, dont le tournage est interrompu le 11 septembre 1973, jour du coup d’État de Pinochet. Arrêté et enfermé durant deux semaines au Stade national, menacé d’exécution, Guzmán parvient à s’exiler grâce à sa double nationalité espagnole. Il s’installe à Cuba, puis en Espagne et finalement à Paris où il va réaliser de nombreux films tels que En nombre de Dios, sur l’opposition de l’Église catholique à la dictature et les manifestations réprimées en 1985 ou La cruz del Sur sur la religiosité populaire en Amérique latine. Dès 1997, il retourne au Chili et commence à combler les manques de l’histoire avec Chile, la memoria obstinada. Suivent El caso Pinochet sur les procès contre le dictateur, ainsi qu’un portrait intitulé Salvador Allende. Il va continuer sa fascinante exploration de la mémoire récente de son pays dans sa trilogie composée de Nostalgia de la luz, El botón de nácar et La cordillera de los sueños, avant de signer Mi país imaginario, qui revient sur l’explosion sociale de 2019.
Multipliant les masterclass, les rencontres avec les étudiants et les cinéphiles, Patricio Guzmán est aussi enseignant, artiste désireux de transmettre, et président du Festival international du film documentaire de Santiago du Chili (FIDOCS), qu’il a fondé en 1997.

«Sandrine Veysset filme avec une ferveur bressonienne un rituel quotidien qui va de la terre aux enfants, des enfants à la terre. Les gestes, les mots, les regards, les fragments d'un bonheur aussi furtif qu'un flocon de neige à Noël, la lassitude d'un soir, et la douleur profonde, silencieuse, qui vient, comme le froid d'hiver, percer le cœur maternel. La cinéaste réalise une chronique sincère, dépouillée, terriblement émouvante, nourrie à n'en pas douter d'un souvenir ineffaçable, la triste figure d'un père fuyant, père fantôme, part manquante. Il n'est pas rare qu'un premier film se nourrisse du poids de l'enfance, mais il est rare dans le cinéma français d'aujourd'hui qu'une réalisatrice nous dévoile avec autant de simplicité naturelle une part de ce que l'on aimerait aussi garder pour soi. C'est très beau. Tout simplement parce que la beauté vient de l'amour.» (ACID Cannes)

Elle jouera avec lui notamment La Mouette, L’Échange, et d’autres pièces, puis travaille avec les metteurs en scène Jacques Lassalle, et Bernard Sobel. La rencontre avec Klaus Michael Grüber sera profondément marquante comme pour tous les acteur·rice·s qui l’ont approché. Ensuite, il y aura Arthur Nauziciel et sa Mouette dans la cour à Avignon (cette fois Arcadina), Daniel Jeanneteau (Feux d’August Stramm), Gian Manuel Rau (metteur en scène suisse) avec Le Pélican de Strindberg, Luc Bondy pour Une pièce espagnole de Yasmina Reza; avec lui elle fera encore Les Chaises de Ionesco joué dans toute la France et à Taïwan. Elle joue sous la direction de Yasmina Reza dans Comment vous raconter la partie au Théâtre du Rond-Point à Paris. Récemment, elle a joué à Bobigny La Pomme dans le noir, d’après Le bâtisseur de ruines de Clarice Lispector, mis en scène par Marie Christine Soma, et a retrouvé Daniel Janneteau pour La Ménagerie de verre, trois années consécutives.