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Descendant d’une famille d'ouvrières horlogères, le cinéaste zurichois Cyril Schäublin plonge dans son passé et explore les liens entre histoire suisse et anarchisme. Il signe ici son second long-métrage, sélectionné dans de nombreux festivals et lauréat à Berlin du Prix de la meilleure réalisation dans la sélection Encounters, section qui récompense les films audacieux et innovants d'un point de vue esthétique et narratif. Une œuvre inclassable, à la beauté et l’intelligence rare.
« Une fable remarquable et étonnante sur le capitalisme. » (Le Monde)
«Avec un calme étrange et troublant, Unrueh plonge le spectateur dans une période de l'histoire où les idéaux de collectivité et d'anarchisme affrontent les pouvoirs envahissants du capitalisme. Après ses débuts avec Dene wos guet geit, Cyril Schäublin continue à développer son style: avec un soin extrême de la composition, il intercale des plans larges et des très gros plans qui lui sont typiques et qui également célèbrent l'artisanat. Sa position politique claire montre aussi, par le biais de la distanciation et de l'ironie, à quel point son sujet est actuel et universel.» (Jury de la section Encounters, Berlinale 2022)
«Comment traduire efficacement le surréalisme qui rend Unrueh si unique? C’est une comédie rêveuse et absurde située dans un village découpé par des décrets absurdes en quatre fuseaux horaires. Mais sous la lisse surface des politesses, Cyril Schaüblin montre que toutes les petites mains du village s’agitent en cadence. À force de gros plans sur des mécanismes horlogers, il bâtit alors le plus curieux des comptes à rebours. Si les personnages d'Unrueh semblent parfois construire une bombe ou une machine à voyager dans le futur, Cyril Schaüblin a donné naissance à un film au charme inclassable.» (Le Polyester)
«Unrueh… il suffirait d’échanger les deux dernières lettres du mot pour passer de la signification en allemand de "balancier" à "désordre", "agitation". C’est dans cette ambivalence sémantique que le réalisateur zurichois construit, tel un horloger, son film à double mécanique. Cyril Schäublin expose avec précision et foultitudes de détails comment fonctionne une montre mécanique. Cette déconstruction de mécanique horlogère adossée à celle de la mécanique du capitalisme industriel produit une œuvre singulière, d’une grande finesse et de toute beauté.» (J:mag)

«Rarement la soif et la peur de vivre, les sentiments confus et les penchants morbides de cet âge ont été aussi bien incarnés – chapeau à Sarah Montpetit et Joseph Engel, déjà formidable chez Louis Garrel.» (L’Obs)
«La beauté de Falcon Lake tient beaucoup à l’effort de rester coûte que coûte du côté de cette indécision, quitte à se moquer de la logique et du rationnel, et sans pour autant surjouer l’hésitation classique entre fantastique et réalisme (autre frontière naturellement brouillée ici).» (Cahiers du Cinéma)
«Falcon Lake, premier long-métrage de la comédienne Charlotte Le Bon, impressionne par son ambiance et sa maîtrise.» (Le Parisien)
«Une douce rêverie mélancolique, qui commence comme un tendre teen movie avant de s'envoler vers une poésie d'une infinie délicatesse. Une des plus belles surprises de 2022.» (Écran Large)

Représentant de la France aux Oscars, lauréat du Lion d’argent et du Prix du meilleur premier film à la dernière Mostra de Venise, Reflet d'or du meilleur film au GIFF, Saint Omer d'Alice Diop s'inspire d'une histoire vraie et suit le procès d'une mère jugée pour infanticide à travers les yeux d'une romancière. À la fois chronique judiciaire et intriguant portrait psychologique, le premier long-métrage de la réalisatrice d’origine sénégalaise est un drame bouleversant qui explore le rapport complexe à la maternité et la place des femmes dans la société.

Venant du documentaire, la cinéaste mexicaine Tatiana Huezo passe avec brio à la fiction. Elle offre dans Noche de Fuego des images particulièrement saisissantes et inventives et parvient à donner corps à la menace omniprésente des narcotrafiquants… Primé à Cannes et à San Sebastián, représentant du Mexique aux Oscars 2022, Noche de Fuego raconte avec force une histoire de survie.
«Tourné dans un village perché dans la Sierra Gorda, ce beau premier long-métrage de fiction de la cinéaste décrit, à hauteur de gosses puis d’adolescentes, les assignations genrées qui charpentent la vie d’une région montagneuse en proie à la tyrannie des cartels et militaires, où la plupart des hommes se révèlent singulièrement absents» (Libération)
«En un court enchaînement d’images percutantes, la mexicaine Tatiana Huezo témoigne d’une aisance remarquable pour donner vie à un monde, avec un sens de la nuance et de l’imaginaire, ainsi qu’un appétit contagieux pour des images riches d’évocation.» (Le Polyester)

Je suis le seul fils biologique de mon père, un rentier qui n’a jamais travaillé, et de ma mère, une aristocrate belge décédée lorsque j’étais encore en pleine crise d’adolescence. Je les ai toujours observés comme des personnages de fiction. Mon père me rappelle le Colonel Kurtz, le damné d’Apocalypse Now. Mon frère ressemble au géant indien de Vol au-dessus d’un Nid de Coucou et ma sœur pourrait tout droit sortir d’une comédie dramatique. Très jeune, j’ai pris une caméra pour faire des vidéos de ski et c’est devenu ma passion. Mais mon père cinéphile a toujours rêvé que je réalise des films plus narratifs. Alors quand j’ai évoqué, il y a trois ans, l’idée de tourner un documentaire sur ma famille, mon père s’est immédiatement acheté une caméra, un trépied et un micro pour se filmer quotidiennement et me faire don ensuite de ce matériel. C’est à la fois sa façon de m’encourager, de m’amener vers une certaine indépendance et en même temps, une manière de garder le contrôle. Moi, j’ai vu en lui et en ses actes un véritable film. J’étais lancé. Ce projet est rapidement devenu pour moi une quête personnelle. Plus j’avançais dans la réalisation de ce film, et plus je me réalisais. Plus je me détachais du joug de mon père. Cette quête à la fois créative et émancipatrice est au cœur de ce documentaire. Je pars à la rencontre de ma vocation: faire des films.
Tout a commencé à la mort de ma mère. Durant cette période de deuil, mon père a commencé à s’investir démesurément dans la vie de ses enfants. Il s’est donné pour mission de nous rendre indépendants et de faire tout ce que ma mère aurait voulu accomplir pour nous. Par-dessus tout, il a débuté la construction d’un chalet dans son jardin pour que je retourne vivre à ses côtés. Face à ces évènements, une multitude de questions me sont alors apparues. Jusqu’où peut-on imposer l’héritage qu’on souhaite transmettre à ses enfants? Comment quitter le nid familial? Comment grandir et devenir adulte? Comment s’affranchir du poids que la famille peut générer ou au contraire que garder d’elle?
Ce documentaire vise à questionner nos relations familiales. Il est autant un documentaire sur ma propre construction de jeune adulte et cinéaste que sur le deuil, l’impossible héritage et la difficulté d’une transmission.»

«À la fois théâtre du conservatisme, de l’émancipation et de la domination sociale, Sous les figues révèle magnifiquement le subtil portrait d’une Tunisie perdue entre désir de liberté et respect des traditions.» (aVoir-aLire)
«Ce geste créateur, délicat et nuancé, fait de ce premier film une jolie réussite et rappelle qu’un acte politique réside également dans sa capacité à remettre de la douceur dans une situation minée par la violence des rapports sociaux.» (Culturopoing)
«À cet éternel questionnement amoureux, marivaudage des temps présents, la cinéaste tunisienne greffe une note réaliste qui finit par transformer ce que l’on avait perçu comme un éden en représentation étroite et d’autant plus éloquente d’une société, d’une époque, avec en métaphore la pourriture, sous la joliesse de l’image, la maturité des fruits comme celle des âges.» (Les Inrockuptibles)
«Dans un verger aux airs de jardin d’Eden, auréolé d’un ciel bleu éclatant, ce film "instinctif" et doux-amer pénètre avec un naturel et une infinie empathie dans l’intimité des jeunes ouvrières agricoles (et ouvriers) pendant la récolte des figues. Leurs rudes conditions de vie, pas même esquissées, se devinent en arrière-plan.» (La Croix)

«Ce film de Matteo Tortone est profond et impitoyable comme les mines des Andes péruviennes où Jorge va chercher du travail. La photographie, signée par le Suisse Patrick Tresch, restitue les délires de Jorge et la réalité de la boue, de la roche, du froid indomptable, les yeux éteints par l'alcool des camarades mineurs. Matteo Tortone descend dans les entrailles de la montagne avec les mineurs, et ne les abandonne jamais. Le temps s'écoule lentement. C’est une histoire circulaire, qui n'a pas de fin.» (Cineuropa)
«L'image en noir et blanc ajoute une couche de brutalité à l'histoire de Mother Lode. La boue semble plus humide, la saleté plus incrustée et le froid traverse presque l'écran. Mais curieusement, elle ajoute aussi un sentiment de poésie par sa pureté et sa simplicité.» (Modern Times)
«La caméra s'accroche à Jorge, le suivant lorsqu'il emprunte des ruelles sinueuses et des artères boueuses. Et pendant ce temps, des explosions résonnent dans les montagnes, comme un avertissement. C'est l'un des endroits les plus difficiles à vivre sur terre, et pourtant, Matteo Tortone parvient à y révéler sa beauté brute.» (Screen Daily)