avril   

«Entre vidéos et archives, elle retrace une histoire de détermination et de résistance, et compose un hymne à une puissante lignée féminine: la sienne. Une œuvre aussi bouleversante que délicate.» (Visions du Réel)

«À travers le récit de sa mère, d’images d’archives et de vidéos de son enfance, Lina tisse des liens entre les femmes de sa famille, la mémoire et l’histoire de la Palestine, malgré le déracinement, la dépossession et les déchirements. Bye bye Tibériade est un voyage sur les terres de la jeunesse d’Hiam et dans les mémoires d’une lignée de femmes palestiniennes, marquées par une histoire collective douloureuse.» (FIFDH)

«Avec patience et délicatesse, Lina Soualem tisse ces histoires de deuil, de survie et de renaissance. Après avoir été disponible sur Arte, Bye Bye Tibériade sort en salle. C’est là qu’il faut voir ce film douloureux et doux, qui remonte à la source de la tragédie actuelle – pour le partager, pour en parler.» (Le Monde)

«À travers le récit de l’exil de sa mère comédienne, la réalisatrice Lina Soualem signe le portrait tendre et poignant des femmes palestiniennes. Et de leur capacité de résistance.» (Télérama)

«Ce récit bouleversant, qui résonne très fortement avec l’actualité, est tissé avec beaucoup de délicatesse grâce à des photos, mais aussi des lectures de poèmes ou des scènes rejouées par Hiam Abbas elle-même.» (Le Parisien)

«Mêlant drame psychologique, frayeur corporelle, surnaturel et bribes de TikTok, le film explore avec intensité et de manière universelle le passage à l'âge adulte dans une société oppressante, qui notamment considère la menstruation comme une honte. Allant au-delà des conventions du genre fantastique, Amanda Nell Eu réussit à nous emporter grâce à la puissante énergie et à la colère de sa jeunesse en rupture avec la patriarcat. En résulte une œuvre punk, féministe et libératrice.» (Trigon)

«Folklore malaisien, body horror et teenage movie s’entrechoquent pour livrer un puissant récit d’émancipation féminine. Un petit bijou d’horreur fantastique, à mi chemin entre Carrie et Ginger Snaps!» (NIFFF)

«Insolent en diable, ce premier long-métrage venu de Malaisie réjouit. Il raconte avec malice, et amour du cinéma de genre, la mutation adolescente et la féminité triomphante. Et révèle une jeune cinéaste qui n’a peur de rien: Amanda Nell Eu.» (Bande à Part)

«De la sauvagerie à la beauté, les sensations contradictoires sont au cœur de ce projet porté par de jeunes débutantes au naturel confondant.» (L'Obs)

«Emaillé de scènes captées au téléphone portable – par les jeunes actrices elles-mêmes –, le film rend compte, dans une liberté sidérante, de l’expérience adolescente contemporaine où il ne s’agit plus seulement de s’ausculter devant son miroir mais à travers l’image renvoyée par les réseaux sociaux.» (Le Monde)

«Dans une atmosphère surréaliste, la cinéaste amène tout ce petit monde à se confier peu à peu pour retrouver le point de départ douloureux de beaucoup de secrets et omissions. Une quête personnelle et historique, singulière et émouvante.» (Festival Black Movie)
«Le film flirte entre autofiction familiale et témoignage poignant du Maroc sous le règne d’Hassan II. Une œuvre aussi attendrissante que puissante dans l’évocation de l’absolutisme monarchique.» (aVoir-aLire)
«Beau geste d’une cinéaste en train de faire, en train de se raconter, de dire sa vocation de cinéma, son attachement vital aux images comme unique outil d’une vérité. Muriel ou le temps d’un retour d’Alain Resnais n’est jamais bien loin de nos esprits face à cette collecte de fragments, à ce film-puzzle qui grandit en glanant des indices d’images.» (Les Inrockuptibles)
«La Mère de tous les mensonges est une plongée passionnante dans l’histoire politique marocaine et dans le huis clos d’une famille d’où toute photographie et représentation étaient bannies. Afin de donner corps aux souvenirs, la réalisatrice fait construire en miniature, dans un superbe jeu d’ombres et de lumières, le quartier de son enfance et donne à son documentaire les allures d’un théâtre de marionnettes.» (Télérama)

«L'histoire que raconte la grande cinéaste polonaise Agnieszka Holland, entre petites tragédies du quotidien, racisme ordinaire et espoir, aborde les circuits de la migration d'une manière immersive qui marque durablement.» (Le Temps)

«Souvent attachée à la dimension tragique de l’histoire, la cinéaste polonaise s’inscrit cette fois dans un passé récent mortifère qui ne passe pas. À la déshumanisation des réfugiés, elle oppose la question complexe de l’accueil, du délit de solidarité, de la différence entre la légalité et l’équité. Humaniser pour ne pas banaliser la violence et les incessants refoulements à la frontière.» (L'Humanité)

«Un chef-d’œuvre plein d’humanité, bouleversant, furieux et brillant.» (Deadline)

«Agnieszka Holland raconte, en noir et blanc, le martyre des migrants, la générosité des inconnus qui tentent d’aider, l’immonde cynisme du système. On sort de là éprouvé, secoué, révulsé, avec l’envie de foutre le feu. Le cinéma, ici, est l’arme de la révolte.» (L'Obs)

«Un film en noir et blanc intense qui vrille le cœur et interroge longtemps après sa projection sur ce qu'il reste de notre humanité face à la crise migratoire.» (Marie Claire)

Le destin de ces migrants et la catastrophe humanitaire à laquelle ils étaient confrontés à moins de trois heures de Varsovie m’ont ému: j’y voyais quelque chose de symbolique et peut-être les premiers signaux d’un drame pouvant conduire à l’effondrement moral (et aussi politique) de notre monde.
Le cinéma n’est pas complètement impuissant – il peut montrer la vérité sur le monde et le destin humain de manière polyphonique, à partir de différents points de vue. Il peut éclairer des choix humains difficiles, l’impuissance et l’invisibilité de certains êtres avec la lumière du pathos et les sortir de l’ombre. Il peut poser des questions auxquelles nous n’avons pas de réponses, mais en nous les posant, nous pouvons donner un peu plus de sens au monde.
La politique et les politiciens déterminent nos vies, mais ce qui m’intéresse le plus, c’est comment leurs actions, choix et inactions s’incrustent dans la vie des gens ordinaires et dans les choix auxquels ils sont confrontés.
C’est pourquoi nous avons adopté trois perspectives très différentes pour raconter cette histoire: celles d’une famille de réfugiés syriens, d’un jeune garde-frontière et d’une activiste malgré elle – une femme de cinquante ans qui ne peut s’empêcher de répondre aux cris de ceux qui sont dans le besoin.

Lorsque je suis arrivé sur place et que j’ai commencé à filmer, les militant·e·x·s étaient conscients qu’ils allaient être expulsés. Ce lieu et ses habitants m’ont tout de suite fascinés. Ce fragment d’utopie qu’ils avaient créé. Leur jeunesse. Le fait qu’on y parle plusieurs langues. Leur résilience. Qu’une lutte aussi radicale ait lieu dans mon pays, c’était incroyable. Leur combat visait le plus grand émetteur de CO2 de Suisse, cet aspect "David contre Goliath" m’intéressait beaucoup.
Avant de commencer à filmer, j’ai dû convaincre et obtenir la confiance de tout le groupe. C’était complexe. Certains des zadistes auraient voulu que je fasse un film très militant et politique, ce qui n’a jamais été mon intention. Je me souviens qu’il y a eu d’énormes débats pendant les discussions de groupe. Les militant·e·x·s ont à la fois détesté et adoré l’idée de Zadvengers. Et finalement, j’adorais le fait que les militant·e·x·s étaient si hostiles aux caméras et que très peu d’images d’eux étaient disponibles. Ça rajoutait un réel défi à ce film.

«Récit d'émancipation entre deux mondes d'hommes, ce beau film trouve son originalité dans une forme de romantisation de l'argent peu vue à l'écran. On ne peut que se laisser envoûter par son esthétique soignée, qui donne à chaque plan son éclat céleste.» (Marie Claire)

«Par un langage visuel fort - la musique, la lumière, la réalisation -, des composantes narratives habilement structurées - les glissements subtils d’un monde à l’autre -, la réalisatrice Héléna Klotz s’extrait des chausse-trappes de son sujet, en donnant à ce film d’apprentissage et d’émancipation sociale un genre, celui d’un film noir contemporain, élégant et convaincant, tout en tension paranoïaque et atmosphère sophistiquée.» (Le Dauphiné Libéré)

«Claire Pommet est une révélation dans ce film rondement mené par Héléna Klotz, tant dans la mise en scène qu’à l’écriture.» (Les Fiches du Cinéma)

Au milieu, un personnage féminin qui cherche à briser le plafond de verre de sa classe sociale pour se créer du futur. Je ne l’ai pas pensé comme une fille qui veut devenir trader mais comme quelqu’un qui cherche un avenir possible. On pourrait voir le personnage de Jeanne comme l’héritière lointaine et féminine de Julien Sorel, d’Eugène de Rastignac ou de Martin Eden, et La Vénus d’Argent comme un film d’apprentissage au féminin.
Pour incarner Jeanne, Claire Pommet m’est apparue comme une évidence. J’avais lu un entretien qu’elle avait donné à Mediapart au sujet des difficultés qu’elle a rencontrées dans le milieu de la musique. Je me suis dit que cette fille allait tout de suite comprendre l’ambition et la blessure de Jeanne.
Pour restituer le langage de la finance, j’ai rencontré des traders haut placés et j’ai organisé de faux entretiens de recrutement avec de vrais traders de la City. Une bonne partie des échanges et des joutes qu’on entend dans le film vient de ce travail purement documentaire. Cette langue hyper technique, cryptée, c’est comme une langue étrangère. Il y avait le désir d’excéder les limites de la compréhension, comme dans la scène d’ouverture de The Social Network, et de voir des gens très jeunes parler comme des robots.
C’est un peu le pari du film de voir comment un personnage un peu robotique, à la fois compétent et inadapté, se révèle le temps du film. Jeanne a du mal à exprimer les choses, et trouve une voie par les chiffres. Tout au long du film, elle va retrouver son épiderme. J’ai pris du temps pour réfléchir à ce que serait une héroïne d’aujourd’hui.